レオナルド・ディカプリオが、初のオスカーを受賞した作品ということで観ました。

アメリカの歴史の源流を見た気持ちにさせてくれる見応えある映画です。
西部劇より更に前の開拓時代の創世記の話なので、過酷な映像も時折ありました。
毛皮をめぐっての白人とインディアンの血を血で洗うような戦いぶりは壮絶としか言いようがありませんでした。人の欲とは何と恐ろしいものなんでしょうか。

ストーリーそのものは単純です。レオナルド・ディカプリオ扮する主人公グラスが仲間に息子ホークを殺されて、熊に襲われた傷を抱えながらも冬山から生還して復讐を果たすというものでした。
それ故に凄惨なシーンのオンパレードなのですが、素晴らしい映像美で、魅入ってしまうのです。
時にタルコフスキーばりに水を活かしたみたり、「プライベート・ライアン」を想起させたり、イニャリトゥ監督のセルフオマージュもあり楽しませてもらいました。

そして本作で映し出された開拓時代から、脈々と受け継がれた戦いの歴史があっての今のアメリカがあることを考えると本作の価値は高いと思います。
重い映画ではありますが、目が釘付けになる面白さがありました。

ストーリーは自分を置き去りにした仲間に復讐をする話です、もちろんただ復讐するだけではなく、生きるとは何かを考えさせられる映画でした、最初はクマに襲われ、息子を殺されて生き埋めにされ、今度はインディアンに追われながらも必死に生きる姿を描いている映画でした。ほとんどサバイバル映画で映像も川のせせらぎや小鳥のさえずりがメインで音楽はあまり流れません、映像は綺麗で素晴らしかったです。一瞬たりとも目が離せませんでした。音楽も坂本龍一さんの曲も素晴らしかったです。ほとんど曲がなくてクマに襲われるシーンもリアルに感じます、何度も言いますがこの映画は素晴らしい、一生懸命生きる姿が感動します、人生で1度は見るべき映画です！個人的な最終評価は文句なしの10点中10点です。惨殺なシーンもあって１度見ればいいと思う映画でしたが映像はとても綺麗でいろんなことを考えさせられる映画なのでまた見たい気もあります。是非見ることをお勧めします。

息子の仇を討つために、瀕死の重傷を負いつつも過酷な環境を生き抜く男を追った実話ベースの物語に引き込まれ、全身から鬱々とした殺気を発しながら場面を禍々しく彩るL・ディカプリオの迫真の演技に魅せられる。　

ただ、残念だったのは語り口で、白人の理不尽な暴虐とそれにさらされる先住民の悲哀といった米国史の暗部をはじめ、主人公以外の登場人物や、父と子の絆の深さといったものが描き切れていない気がしなくもなく、せっかくのスリリングで雄大な物語にイマイチ感情移入できずのこの点数とした。

あと、監督はA・G・イニャリトゥだし、 音楽は坂本龍一だし、撮影はE・ルベツキだし、と自分好みのスタッフ陣に期待しすぎた反動もある。

『もののけ姫』のシシガミ様を討つシーンを彷彿とさせる冒頭から、イニャリトゥらしさなのかルベツキらしさなのか『バードマン』でも見せた凝った美しい映像。映像の切り取り方も上手いし、映される自然や動物、原住民などがディテールまで美しい。名作『イントゥザワイルド』を思い出す厳しい環境下でのサバイバル。圧倒的な美しさに宗教的美しさを感じる。
気になるのはレオ様演じるグラスの生命力が強すぎてスーパーマン的なのはどうなんだろう。
圧倒的に美しすぎて「完璧な美」に感じてしまうところが、世界の終わりのような過酷な環境と完璧すぎるが故に、かえってミスマッチに感じてしまう。

公開時、ほとんど眠ってしまいディカプリオが彷徨ってることしか記憶になかったのでリベンジ。
ディカプリオ圧巻の演技。
トム・ハーディがフィッツジェラルドだったこと最後まで全く気付かなかった。
ポーニー族が「復讐は創造主に委ねる」との言葉の時には
単に純粋な一族なのだなぁと思った。
だけれどもラストにディカプリオがその言葉に回帰した時には
この広大で美しく、そして厳しい大自然を映像を通してだが目の当たりにすると
たしかにその創造主に任せるしかないのだ、と思わされた。
大スクリーンで観たらそのラストのかすかな感動がもっと大きかったに違いない。
映画館で眠ってしまったことが悔やまれる。

アレハンドロ・ゴンザレス・イニャリトゥとエマニュエル・ルベツキの最新長編作品ですね。メキシコの鬼才コンビが今回も飛び抜けた作品を作ってくれました。

今回注目したいのは、撮影。毎回エマニュエル・ルベツキ（Emmanuel Lubezki）はアカデミー賞撮影賞の常連で、毎回「これどうやって撮影したの？」と驚かされます。代表的な作品は、スリーピー・ホロウ”Sleepy Hollow （1999）”、ゼロ・グラビティ”Gravity （2013）”、バードマン”Birdman （2014）”などがあります。
この作品で感じたことは、「なんてスクリーンに映し出される世界が広いんだ。」ってことでした。レオナルド・ディカプリオやトム・ハーディーの表情から、雪山や動物たちが歩く背景まで、とても広い世界観を見ていて感じた人も多いんじゃないでしょうか。まるで映画の世界にいるような感覚。
今回エマニュエル・ルベツキが使ったカメラはARRI ALEXA65。65mmフィルム相当のセンサーを使ったデジタルカメラ。さらに彼は24mmやときには12mmのような超ワイドなレンズを使ってほとんどのシーンを撮影しています。それゆえ、かなり広い視野で、かつ奥行の感じられるような、超現実的世界をスクリーンに写しだせているんです。

まぁお金があるからできることではあると思うんですが、どうしてもロングレンズを使って、ラックフォーカスしてみたりしたくなるのが、映画界の伝統と流れ。そのなかで、彼は毎回それをぶち破り、新たなことに挑戦しています。そして毎回作る作品でそれを更新していくのです。つまりは、前回使った技法のいいところを次回の作品で生かしながら、また新たなことに挑戦する。だから、私たち視聴者は新たな映画体験にワクワクする。

是非次回のエマニュエル・ルベツキ撮影作品は、大きな大きなスクリーンで。小さな小さなスマートフォンではこの映画体験はできませんよ！

そしてもう一つは、劇中音楽。2015年の作品だから、この事実は忘れて見ていた。
みているときに、なにかジブリ感を感じた。つまり、久石譲さんのあのストーリーを追い越して引っ張っていくような感覚をもったんです。この感覚は久しぶりでした。ずーっと見ながら、誰がこの映画の音楽担当してるんだろうって思いながら見ていました。
そして、エンドロールで思い出す。そうだった、我らが坂本龍一さんではないか。忘れていた自分が恥ずかしい。。。
あの感覚は、日本で育ち、その楽曲構成に慣れ親しんでいるからなのだろうか。それとも、久石譲さんや坂本龍一さんのような日本を代表する作曲家たちが、世界でもトップであるのだろうか。どちらであっても日本人としては嬉しいのだが。
絶対に見ればわかると思うのですが、ほとんど会話のないこの作品であっても、音楽が引っ張って行ってくれる感覚が感情を動かす。ストーリーの波を前もって予告してくれるように、それまで、背もたれに体重を乗せていた体を、ぐっと引き起こして前のめりになる瞬間が、視聴者全員に同時に訪れる瞬間は映画音楽の真髄だと思います。